这颜色看着就不对劲，全是塑料味儿？画布上明明摆满了高级颜料，可画出来的东西总像广告牌一样刺眼，完全没有自然界的灵气。遇到这种情况别慌，我们先来破除一个误区：别把“生硬”当成鲜艳，尤其是那种土里土气的用色。事实上，很多人在看到梵高那明亮如炬的向日葵时，只会感叹它够“火”；再看莫奈睡莲上浓郁的紫蓝，只会说它沉静如水。这都说明一个道理：颜色生不生，根本不在于它本身有多艳丽，全看它周围有没有搭配合适的关系。一块鲜红的色块放在绿叶中间就能沉稳下来，要是孤零零地铺在白纸上，那绝对是扎眼的。说白了，“生”的颜色就是没找到归属感的颜色。 既然如此，问题到底出在哪儿？有三个致命原因导致颜色变得生硬。第一个毛病是只管调出所谓的“本色”，完全不考虑周围的环境光。画皮肤的时候直接用肉色，不管打进来的光是冷还是暖；画草地就用草绿色，也不管地面反射过来的光是橙色还是褐色。这样做的结果就是色块像贴上去的一样，和画面整个脱节了。 第二个毛病是过度依赖钛白来提亮。想要亮部有存在感就使劲加白粉，结果画面发粉发冷，连原本的颜色倾向都没了；高光更是变成了毫无透明感的“死白”。这下子亮部和暗部彻底断裂开来，整个画面也就失去了生气。 第三个毛病是害怕补色会把画调脏。因为心里害怕红加绿会变成烂泥一样的颜色，所以就只敢用同类色混合。结果画出来的色彩单薄扁平、缺乏深度。其实只要稍微懂点道理就知道，补色绝不是用来调灰的。 那到底怎么把颜色养熟呢？这里有三个专业的调色逻辑。第一个逻辑就是用补色来养色，而不是把它们灭掉。补色其实是用来微调色彩倾向的好帮手；比如你想让红色沉稳一些？只要往里面加极微量的翠绿就行（注意不是黑色！），它能吸掉多余的火气但又不改变红色的本质；想让蓝色深邃一点？稍微加点熟赭石就能让暗部有暖底的感觉。有个原则要记住：补色的用量绝对不能超过5%，宁可少也不能多。 第二个逻辑是亮部不能靠白来解决，而是要靠冷暖对比。大自然里的亮部很少有纯白的颜色；正确的做法是在冷光下把亮部调成主色加上微量白再加上环境中的冷色（比如群青）；在暖光下则把亮部调成主色加上微量白再加上环境中的暖色（比如那不勒斯黄）。就好比画白墙的时候受天光照射的地方会偏青灰一点；受地面反光影响的地方又会偏暖褐一点；根本没有一块完全纯白的区域存在。 第三个逻辑是要用透明罩染的方法来沉淀颜色。厚涂的颜料很容易显得生硬；薄罩染出来的颜色则会自然柔和得多；在干透的底层上用达玛媒介加上微量颜色做一层透明罩染效果最好；比如画一张红衣肖像的时候先铺一层暖红色的底色等它干了之后再罩上一层极淡的紫灰色；这样红色就会沉入空间里不再跳脱出来了。 最后还有五个调色时的注意事项。第一点就是别在调色盘上追求所谓的完美色；因为颜料湿的时候会比干了之后看起来更亮更艳；真正的判断标准还是要看画面整体效果如何进行调整。 第二点要慎用黑色来压暗画面；因为黑色会吞噬掉所有的色彩倾向让暗部变得死板；正确的暗部做法应该是主色加上透明的深色（比如深茜红、象牙黑加群青）再加上微量的补色来调和。 第三点要保留色彩的“心跳”；即使降低了纯度也得让颜色有冷暖微差存在——如果全画都变成统一的灰调子只会让人感觉很闷而不是“熟”。 第四点要多用小笔试色然后后退看大面效果；调好颜色之后先点在画面对应的位置上后退几步看看是否融入了整体背景而不是只盯着单个色块本身看好不好看。 第五点要接受“不绝对准”的事实；大自然里的颜色本来就是流动模糊多变的——只要关系对了就比“像”更重要。 最后给初学者三条训练建议。第一个建议是进行限三色练习；只用一种主色再配上一种补色加上白色来强制学会如何用微调来控制色彩倾向。 第二个建议是发起“去白”挑战；画一张静物画的时候亮部绝对不要直接加白而是要用冷暖对比来制造明度——这样你就能重新理解光的含义了。 第三个建议是临摹大师的局部作品；挑选莫奈或者维米尔画作中的一小块色彩区域来分析其中包含了几种色彩倾向感受一下“熟色”的复杂性到底在哪儿。 回想一下你在调色的时候有没有因为怕生反而把画面调得越来越脏？后来又是通过什么方法学会用补色微调或者冷暖对比让颜色变得自然柔和的呢？欢迎在评论区分享你自己的调色觉醒时刻！这些画作选自：Juliette Wytsman。