今年春节前后，浙江以“浙里有戏”新春文化惠民活动为牵引，组织多台戏曲精粹巡演与大量精品演出向全省铺开，舞台不止在城市剧场，也延伸到偏远海岛、山区乡镇。
鼓点响起、戏腔亮起，戏曲重新嵌入年俗生活，成为不少群众节日里的新选择。
与此同时，如何让戏曲长期吸引观众、尤其是赢得青年群体关注，成为业界与市场共同面对的现实课题。
问题在于，戏曲一端连着传统审美与规制程式，一端面对媒介更迭和消费习惯变化。
观众结构、传播方式、市场节奏都在变化，戏曲若仅停留在“原样复刻”，容易与当代审美产生距离；若一味追求“快、奇、新”，又可能弱化戏曲的唱念做打与声腔特质，造成“像舞台秀但不像戏”。
在“如何青春化”的讨论中，张建敏提出一个判断：青春是一种状态，落点要回到作品的时代气息与艺术活力，而非简单以演员年龄或题材包装来衡量。
原因层面，浙江戏曲热度的形成并非偶然。
一方面，戏曲在当地具有深厚民间基础，节庆时段观演需求被集中释放；另一方面，文化惠民与公共文化服务的组织化供给，扩大了“看得见、进得去”的覆盖面，使戏曲从少数人的兴趣回到更多人的日常。
此外，剧团对市场的敏感与对作品品质的追求，推动传统剧目通过更符合当代审美的呈现方式触达新观众。
以婺剧一些出圈剧目为例，创作团队在舞台调度、灯光、服装、节奏等方面强化视觉表达和叙事效率，让传统的艺术语言更易被理解、更易被分享，但核心依然要靠唱腔、身段、人物塑造站稳。
影响正在显现：其一，戏曲在节日文化消费中重新获得位置，从“看热闹”走向“看门道”的人群逐步扩大；其二，更多优质演出走向基层，有助于缩小公共文化服务的空间差距，增强社区文化凝聚力；其三，戏曲市场的热度反哺创作与人才，形成从演出、传播到教育的良性循环。
当然也要看到，热度之下仍存在审美分化：部分老戏迷对改编幅度、声腔处理等表达担忧，认为“味道淡了”“不过瘾”。
对此，张建敏强调理解与平衡：婺剧声腔体系底蕴深厚，“老腔老调”不仅是技法，更承载戏迷情感与剧种辨识度，创新可以放大表达，但终究要回到根上，让人听得出、看得见、认得准。
对策上，张建敏结合自身从艺与育人经历提出两条“硬要求”。
第一是基本功的长期坚守。
戏曲靠日积月累的功夫支撑，一招一式、一腔一调都需要反复打磨，练功房是演员的根基所在。
第二是综合艺术修养的系统提升。
面对当代观众更高的信息密度与审美要求，演员不能停留在“会演”，还要懂角色、懂剧本、懂结构，具备研究与创造能力，能在传统程式中塑造有生命力的人物。
她曾在舞台艺术成熟期转向校园培养后备力量，认为“青春”也体现在传承链条是否顺畅：当学生从零起步到登台成角，舞台的未来才真正可期。
前景判断上，戏曲“青春化”将更强调守正与创新的辩证统一：在内容上，坚持以经典文本与优秀传统为根，围绕人物、情感与价值展开更清晰的表达；在形式上，运用现代舞台技术提升叙事效率与观演体验，但把握分寸，避免喧宾夺主；在传播上，借助更契合当代受众的渠道与话语，把“看戏”从一次性体验转化为可持续的文化习惯。
随着公共文化服务持续下沉、院团创作机制不断完善、戏曲教育与人才梯队建设加强，像婺剧这样的地方剧种有望在更广阔的市场中形成稳定受众，推动传统艺术在新时代实现创造性转化、创新性发展。
张建敏的论述和实践表明，戏曲艺术的生命力不在于固步自封，也不在于盲目追新，而在于在深刻理解传统精髓的基础上，以开放的心态拥抱时代变化。
当传统的根脉与现代的审美相遇，当艺术家的坚守与创新的勇气相融，古老的戏曲艺术就能够跨越时代的鸿沟，在新的舞台上绽放光彩。
这不仅是婺剧的发展之路，也是整个中华优秀传统文化在当代实现创造性转化、创新性发展的生动缩影。